毕加索、莫奈是艺术特展(超级大展)常见的主题，上图为莫奈《睡莲池与玫瑰》 　　随着博物馆美术馆事业的发展，一股举办艺术特展(国外称超级大展Blockbuster)的热潮弥漫全球。还专门有人写书介绍艺术特展(超级大展)理论。特别是近期，在中国艺术界，各方还就艺术特展的话题展开了热烈的讨论。 　　那么，什么是艺术特展(超级大展)?在国际上，艺术特展(超级大展)的运作模式和特征是什么?博物馆美术馆为什么要举办艺术特展(超级大展)?国内的艺术特展(超级大展)有些什么特点?面临什么样的困境? 　　艺术特展(超级大展)从上世纪80年代开始盛行 　　20世纪80年代，艺术特展(超级大展)开始在全球大型博物馆的实践中盛行起来。艺术特展(超级大展)的英文“Blockbuster”的英文原意指一种破坏性超强的爆炸物，简称“超级炸弹”，后来引申为引起轰动效果的人或事物。这一概念被引入博物馆美术馆语汇可以追溯到纽约大都会博物馆前任馆长托马斯·霍文(Thomas Hoving)策划的“图坦卡门的宝藏”(Treasure of Tutankhamun)巡回展。该特展首站于1976年11月17日至1977年3月15日在美国华盛顿国家艺术画廊(National Gallery of Art)展出，展览117天便吸引了83万人参观。这个展览被视为是艺术特展(超级大展)的典型案例。 　　1980年代以来，全球的博物馆美术馆变得越来越以观众为导向，这至少可以分为两层意义，一是回应广大群众的需要，另一层则是商业策略或者消费主义的发展所致。也有的认为这是一种后现代的博物馆实践，这种实践更加重视观众，更加强调娱乐性。办艺术特展(超级大展)就是很好的方式。 　　当下国际上的博物馆美术馆的常设展已经无法满足观众的需求，其相对固定的展示方式也容易让观众感到厌倦。艺术特展(超级大展)可以弥补常设展的不足。因此，常设展与艺术特展(超级大展)的配合已经成为博物馆美术馆普遍采用的展览策略。作为对常设展的补充，艺术特展(超级大展)具有常设展无法比拟的优势：一是可以增加参观人数，带来新观众。例如，大都会艺术博物馆近年推出的“皮耶尔-修贺：屋顶花园装置”、“萨金特：艺术家与朋友的肖像画”等艺术特展吸引了大量的人群，并且为纽约制造了9.46亿美元的收入。然而，并非所有的艺术特展(超级大展)的推出均可带来参观人潮，必须事先要有策略规划，经过对观众的研究，区隔、目标对象的锁定和市场的定位思考。二是艺术特展为博物馆美术馆提供了大胆创新的好机会。对博物馆美术馆而言，有的艺术特展(超级大展)也是一个展示新理念、新材料和新技术的实验场所，可借以观察观众的反应，为博物馆展示的未来发展方向提供参考。例如，纽约现代艺术博物馆2013年举办的《雨屋》，就是一个很好的与观众互动的艺术特展。《雨屋》2015年在上海余德耀美术馆展出时，这件装置作品面积有所扩大，观众在屋外时，看到屋内大雨不断，但当观众进入屋内时，不管走到哪里，却不会被淋湿。展览的高科技特性再次吸引了大量人潮。三是不少艺术特展以新的视野鼓励观众以多元思维进行思考。四是开拓了博物馆美术馆的社会资源。依照性质与规模，每个博物馆美术馆各有其不同的特点和优势。一般而言，不少博物馆美术馆具有专业与公益性，在收藏、研究、展示、教育及各项服务设施上，均拥有庞大的资源。然而，博物馆美术馆亦有其不足的地方。因为不同的博物馆美术馆定位不同，可能会忽视一些非主流观众。但是，借由一些别具一格的艺术特展(超级大展)，再配以赞助商的合作，这些博物馆美术馆可以争取到新的观众群，进一步提高知名度。 毕加索　《两个小孩》(资料照片) 　　艺术特展(超级大展)的预算通常数额惊人 　　尽管对于艺术特展(超级大展)的定义至今未有定论，但是艺术特展(超级大展)还是有一些显着的特征。这类展览的预算通常都是数额惊人，通常也是以所吸引的参观人数与收入来评判作为展览是否成功的主要标准之一。由于艺术特展(超级大展)制作昂贵，展品通常需要外借，对于主办方来说也是一笔沉重的负担。因此也有专家认为，有的博物馆美术馆过于重视或者把资源花在艺术特展(超级大展)上，可能会造成忽略常设展和其他的项目。 　　从运作方式上讲，艺术特展(超级大展)与一般展览也有很大的区别。国外知名博物馆美术馆通常的运作模式是“博物馆-基金会-企业赞助-媒体”。具体来说，在展览组织形式上，通常是由馆方自主策划举办，也有馆际合办、馆方与其他组织机构合办。展期通常为三至六个月，若是巡回展时间会更长。展览一般在中心城市的博物馆美术馆举办，展品除了部分馆藏品，多为外借。这类展览，在展览前期就会进行大力度的宣传推广，届时吸引大量观众。一般这样的特展，目标观众都希望有几十万人次。因此，举办一个艺术特展(超级大展)，需要投入的各种资源都远超常设展。 　　从展览制度上看，艺术特展(超级大展)通常是由策展人策划的主题展。但是因为票房往往会成为衡量展览成功与否的一个标准之一，所以也对策展人提出了挑战，即如何平衡展览的学术性和娱乐性。 　　纽约大都会博物馆前任馆长托马斯·霍文策划的介绍埃及古文物的特展(超级大展)———“图坦卡门的宝藏”，曾在美国华盛顿国家艺术画廊展出，展览117天便吸引了83万人参观，引起了极大的轰动。图为藏品之一。 　　国内近几年来也出现了艺术特展(超级大展)热 　　国内近几年来也出现了一股举办艺术特展(超级大展)热。这些展览往往以艺术史上一些大师级的着名艺术家，如毕加索、莫奈、达利、雷诺阿、贾科梅蒂等为主题。 　　2011年，“毕加索中国大展”在上海举行，展出毕加索48幅油画、7幅版画和7件雕塑，共计62件作品，作品保额为60亿元人民币。票价为平日票80元人民币，周末票120元人民币。因各种原因，这次展览并未达到主办方期待的效应。85天展期中，共有约20万人次参观，也低于主办方预估的50万人次。展览的收入难以维持收支平衡。但是，相比“2011年毕加索大展”，同样的主办方2014年举办的“印象派大师———莫奈特展”在上海引起了轰动并取得了票房上的成功。 　　在2015年，又有多个艺术大师特展引进国内，其中两个达利展还在上海撞期。一个是“疯狂达利艺术大展”，展出以青铜雕塑为主的大约300件展品。一个是“鬼才达利”展。另外，上海当代艺术馆2014年举办的“草间弥生———我的一个梦”和余德耀美术馆2016年举办的“贾科梅蒂雕塑展”也吸引了不少观众群，赢得了相当的口碑。而“蓬皮杜现代大师艺术展”也在今年1月落下帷幕。 　　国外的艺术特展(超级大展)大多是在博物馆美术馆等非营利机构举办的，主办方是博物馆美术馆，虽会寻求社会赞助，也有一定的展览门票收入，但主要是为了贴补展览的成本，以非营利性为主。同时，在展览的主题和质量上会严格把关。博物馆美术馆本身就有专业的学术研究团队。而目前国内推出的各类艺术特展(超级大展)，大多选择在商业空间展出，虽然也不乏公益性，但主要以营利性为主。因此，在营销上有时就有过度追求商业化之嫌。在展览的内容、展陈手法与品质上往往也有不少局限。一些艺术特展(超级大展)在展览主题的选择上，往往只注重少数几位经典大师的作品，选题雷同。比如，近年来国内关于毕加索的展览就有四五个，达利展三个，有时是同城举办，结果彼此“恶性”竞争，大打商业战。当然，目前一些主办单位已经意识到了这一点。 　　艺术特展(超级大展)目前在艺术展览中已扮演着越来越为活跃的角色，并持续不断地吸引到越来越多的观众。从上海这几年来的发展来看，艺术特展(超级大展)正处于快速成长的阶段，也获得社会不少的关注。笔者听闻有越来越多的艺术机构想举办艺术特展(超级大展)。但笔者希望不要在短时期内出现艺术特展(超级大展)发烧现象，仅仅为了商业目的就盲目举办没有品质的艺术特展(超级大展)，无论对于主办方还是观众都会是一种伤害，并不是所有的机构都适合举办艺术特展(超级大展)。艺术特展(超级大展)需要适度的发展，除了那些艺术特展(超级大展)，我们也需要那些有学术品质的小规模的适应不同观众的特色展。 　　作者：马琳来源：文汇报　　达世奇：白马是马，马非白马 　　微信上流传一个帖子，标题是《中国绘画领先西方一千年》，内容的根据是西方艺术从古典发展到现代，由客观写实变成写意，这与中国“在似与不似之间”的艺术观念有相吻合之处。更有如毕加索遇见张大千之类的佳话，说明有西方大师在向中国的传统书画学习。从年代上看，中国的艺术比西方类似的追求早了一千年。 　　纵观西方文化艺术界，他们一直在吸取世界各民族的文化，促进他们的创新思维。非洲的黑人歌曲和舞蹈被美国人发扬光大，发展了爵士乐和迪斯科，非洲黑人没有自称在音乐和舞蹈上领先美国几千年。澳洲的土著人有万年历史，他们的抽象画完全是古老程式的传统，等到西方人出现抽象画时，也已经迟了万年。 　　中国绘画界在西方艺术的冲击之下，从这种强烈民族自尊中，可以窥见民族文化不自信和迷失感。 　　在吸取了东方艺术的元素后，西方大师获得了成功。这个经验使中国画家得出结论：中国人画西画，应该从本民族中寻找根源才能成功。中国的画家和理论家普遍认为，中国传统书画充满了中国的哲学思想。儒，佛，道中有不少艺术元素，是我们应该不断吸取和造化的。 　　其实这种想法不仅仅现在有，过去一直存在。林风眠，赵无极都是中西结合的大师。加上现在的艺术商业市场，把许多早年留学西方模仿后印象主义，马蒂斯野兽派的作品一股脑地翻出来，好像个个都是被埋没的大师。从这些模仿作品中，我都看到了当年这些作者有清末明初的气息。我认为这些作品还是平庸居多，因为隔世，审美改变了趣味，留下了过去时代的烙印。人与人之间都有自然性情的区别，习惯性的手势，修养的高低，性情的冷暖会造成些细微的差别。但是如果没有开创性的主观意识作为主导，他们之间的差别就像中国人学英语，口音各有不同，但是西方人一听便知是中国英语。 　　对于中西结合的艺术成功经验，现在已经深入人心。但是绝大多数文化人没有想过将眼光放远，用比较学的方法观察，可以看到当今的中国艺术一直处于思维弱势的不利地位。 　　西方艺术自从印象主义开始，马奈从日本版画中得到启发。他看到了版画平面物体中，也可以有立体感的想象。物体如果在平光的照射下，没有任何阴影，那么就成了平面，它也是真实的写照。这给马奈启发，在油画表现上出现扑克牌式的人物，形象扁平，阴影少了，色彩自然鲜艳。后来马蒂斯发展了平面的表现性，甚至玩起了剪纸，在中国人看来更具有东方趣味。塞尚强调物体的立体感，在画面上只是略微突显，但是他的理论被毕加索拿去推广。在看到非洲传统雕刻后，毕加索吸取了人物简化的特征，创造出了多面视觉的立体主义。在毕加索的晚年，看到了齐白石的写意国画，惊艳于表现上的一笔到位，于是着意学习，后来发展成写意的立体主义。30多年前毕加索画展来上海展出，我第一次近距离观察毕加索的原作，对他黑白灰的安排，线条，留白，色块的一笔到位非常惊讶。他似乎对精致的技术化笔触痴迷，取代了对立体主义原本造型的关注。 　　有一个事实让我醒悟，在我参观西方王宫时，有巴洛克和洛可可式的室内装饰，不少花鸟绘画与中国的工笔画非常相像。其实西方的水彩，从写实具象变成写意，与中国水墨意境相通。又比如雨果的水墨速写、伦布朗的黑白速写，都与中国的写意天然接近，这些可以说是绘画特性本身所决定的，他们并没有受到中国艺术的影响。 　　西方艺术的发展是不拘一格的。他们从自己本身的艺术基础上提炼变化，又从其他民族文化中寻找灵感。他们抓取外族文化的DNA来壮大自身的生命力，要创造明显不同与他人的作品。他们在创造“马”这个总概念中，开发了白马，黑马，黄骠马，赤兔马，青鬃马，桃花马等等，或许还与驴杂交变成了骡。在中国文明的发展史中，凡是昌盛时期，也都具有类似的“吸星大法”。而我们现在有些艺术家和理论家的思维却变得狭隘了，好像成了既然我们中国的白马被西方人采用，那就说明白马是艺术真理，我们必须发展白马。在这样狭隘的观念下，大家朝着一个方向发展，好像近亲繁殖。虽然也能从白马中发展出一些变种，但是不容易变成一匹“黑马”“五花马”“赤兔马”“汗血宝马” 　　作者：达世奇来源：《新民晚报》